Sejak awal abad ke-18, ada sejumlah seniman Renaisans yang bosan dengan teori keseimbangan warna yang semakin rumit, atau dengan kata lain, mereka mempertanyakan warna yang terlalu idealis, yang erat kaitannya dengan kebangkitan Pencerahan. Joshua Reynolds (1723-1792) adalah seorang tokoh terkenal dalam sejarah lukisan barat, dan penulis klasik paling terkenal di Inggris dan pendiri dan seumur hidup dari Royal College of Art. Sementara itu, ia tetap bertahan pada teori warna Renaisans dan secara aktif mempraktikkannya. Dia membuat banyak perbaikan dan interpretasi teori lukisan Renaissance. Dia lebih lanjut mengusulkan dalam interpretasi teori warna Da Vinci: warna yang berlebihan harus dihindari untuk digunakan di ruang besar, terutama warna dingin,karena hal ini dapat menyebabkan ketidakcocokan warna pada gambar. Bahkan secara khusus: biru dan tidak dapat ditempatkan pada posisi dominan (dari segi sejarah, hanya sedikit yang berani membuat lukisan seperti itu).

Namun, pada periode yang sama, orang-orang klasik Inggris terkenal lainnya Thomas Gainsborough (1727 hingga 1788) adalah seorang seniman yang dipenuhi dengan semangat pemberontakan, yang menantang teori warna tradisional dengan menggunakan sendiri. Dalam "The Blue Boy" dan "A Woman In Blue Portrait Of The Duchess Of Beaufort", biru dan ungu mengambil posisi dominan dan warna dingin yang digunakan dalam ruang yang luas. Kedua karya indah ini menjadi contoh penggunaan warna yang luar biasa dalam sejarah seni rupa. Pada saat yang sama, ia juga membuktikan bahwa teori tradisional tidak dapat diubah.

VIOLET HITAM ORANYE KUNING PUTIH DAN MERAH

Bahkan, terobosan bertahap melalui perkembangan lukisan abad ke-18 dalam warna dan bentuk yang menciptakan kondisi untuk kelahiran lukisan impresionis abad ke-19. Dari abad ke-15 hingga abad ke-17, yang menjadi perhatian para seniman adalah bagaimana tanpa warna dalam karya dengan tema spiritual, dan mengejar warna harmonis yang ideal. Pada abad ke-18, seniman mulai menyadari bahwa bahkan warna dunia nyata tidak selalu dalam harmoni yang sempurna, seniman dapat menciptakan harmoni dalam ketidakharmonisan. Pada abad ke-19, seniman mulai menghargai esensi semangat tinggi dari estetika Aristotelian dan seni yang dibutuhkan menyadari hal itu sempurna, karena seni itu milik perasaan spiritualitas manusia, oleh karena itu, harus emosional dan tidak murni rasional

Dalam hal warna dan bentuk, selain penekanan pada titik-titik dasar yang harmonis, Aristoteles lebih menunjukkan: bentuk dan warna pasti dipengaruhi oleh perasaan emosional dan spiritual penonton; terlepas dari hubungan spasial atau warna mereka sebenarnya relatif dan tidak tetap. Setelah titik ini dijangkau, pintu seni lukis kontemporer terbuka. Dalam kata-kata hari ini, seni warna setelah Impresionisme sebenarnya adalah seni warna yang impresif, emosional, dan subjektif.

Sampai saat ini, teori idealisme warna yang harmonis dalam teori lukisan Renaisans telah diruntahkan. Tapi terobosan ini tidak ditinggalkan; itu hanya naik ke tingkat subjektif dengan arti yang lebih realisme. Orang Tionghoa sering berkata, "Orang berpakaian merah dengan hijau merasa sangat jelek bahkan menangis". Namun para petani di provinsi Shaanxi dan Gansu biasanya berpakaian merah dengan hijau dalam acara pernikahan. Dalam hal ini, itu lebih cocok daripada tiba-tiba. Fenomena menarik seperti itu sangat mirip dengan teori warna kontemporer